Statement : Lee Seong-Gu

Interview Questions for Seong-Gu Lee
(Beyond the Medium, Eclectic Gallery London, 2023)

Before we dive into your current body of work, we'd love to know about the path that brought you here. Could you give us a glimpse into your artistic roots and the influences that have guided you along the way?

My parents worked as calligraphers in Korea. And my eldest father was a monk, and I lived in his temple until I was six years old.
I have been exposed to such environment since I was young and naturally had an interest in contemplation and reflection.

Nature often serves as a muse for artists. How does the natural world influence your creative process and the subjects you choose to depict?

I believe that nature provides the standards for all forms of beauty that humans can perceive, such as the beauty of its unaltered state and the beauty of harmony. It also serves as the ultimate source of inspiration, awakening humility and sublime, enabling us to endlessly contemplate.

Could you walk us through your typical artistic process, from the initial idea to the finished artwork?

I primarily focus on things that are not stimulating or innovative but rather countless familiar ones that have not yet revealed their potential. Even after several years, I quietly observe, remember them, and within the framework of my new inspiration, I contemplate their unique combinations and arrangements.

Afterward, I research and experiment to find a way to incorporate them into my creative expression, eventually beginning the process of creating actual works. During this process, I work not with the certainty of creating a piece quickly but with the possibility of endless revisions.

To me, a completed work is something that becomes whole not when I can no longer make changes but when it reaches completion through the eyes of the owner who acquires it by my reluctantly letting it go.

Experimentation often leads to new discoveries. Can you share an instance when trying a new technique unexpectedly transformed your art?

During my sophomore year of college, I made an effort to disassemble a motorcycle and create something new. While the results of that endeavor may have been far from perfect, the process allowed me to generate truly fresh ideas. I always pay attention to the countless possibilities that can emerge through serendipity, and I take pleasure in continuously discovering hints of new changes even within the trial and error process of my own work.

Certain artworks become emblematic of an artist's style or vision. Can you highlight a piece that became a cornerstone of your portfolio and explain its lasting impact?

In my senior year of college in 2006, I created a sculpture called "The Dream of the Grey Man," which has become the cornerstone of my current portfolio. It marked the beginning of a series of figurative sculptures created solely through welding, giving me the courage to believe in my ability to create my own artwork.

This artwork is currently part of the collection at Ansan Danwon Sculpture Park in South Korea. Whenever I need courage, I sometimes visit the sculpture to reminisce about the initial inspiration behind it and even engage in the process of cleaning it, shedding away the years.

Maintaining consistent inspiration is a challenge. How do you rekindle your creativity during periods of artistic block or when motivation wanes?

I make a conscious effort to rest as deeply as possible. I believe that work and relaxation must interact to create the best results. During my downtime, I spend time with my family or engage in mental refreshment to transition into a new mindset. I recharge primarily through static activities such as reading, consuming content, meditation, and prayer, as well as reflecting on life.

Interpreting art can be subjective. How do you encourage your audience to engage with your work and find their own meaning in it?

What I ultimately aim for through my work is not just for the audience to understand the intention of the artist but to encourage them to infer and contemplate on their own. Every viewer encountering the artwork brings their own life experiences, which results in a multitude of potential interpretations. Respecting these diverse perspectives is the starting point, and I strive to provide the audience with minimal information about the artwork. Additionally, I believe that waiting for their eyes and intellect to open up new horizons for the artwork is also a crucial part of the creative process.

How has your association with Eclectic Gallery influenced your career and artistic journey? What do you find unique about being represented by our gallery?

I have learned a great deal over the past five years while collaborating with Eclectic Gallery. Not only have I reflected on my attitude towards gallery representatives, but I have also learned how to interact with them and show respect. What's certain is that while the artist's creation of the artwork is undoubtedly important, the process of finding new owners for those works is equally crucial for the true completion of the artwork. I am grateful for the connection I've had with Eclectic Gallery, which has allowed for mutual influence and growth in various ways.

Collaboration can offer fresh perspectives. Are there artists or creative professionals you're interested in collaborating with in the future? How do you envision this collaboration enhancing your art?

I always keep the door open to new possibilities because I never know where or with whom collaboration might bring exciting changes. Lately, I've been thinking that collaborating with fields like architecture and media art could be a source of enjoyment. If the opportunity arises in the near future to work on a large and exciting project, I will eagerly prepare for collaboration with them.

Lastly, how do you envision your art leaving a legacy that resonates beyond your lifetime?

I always consider my artworks to be more important than myself. While my own existence may be insignificant, my artworks have the potential to create broader and infinite existential horizons when they meet with viewers or someone new. I fervently hope that my artworks will endure as relics even centuries into the future.

Statement of the ‘Chiasme’ (2022)

‘Chiasme’ is a major concept that appears in the phenomenological theory of the Maurice Merleau-Ponty. This is an expression used to mean that the visible and the invisible consist of intersects structures in various relational aspects. The visual and cognitive structure entangled by this unique exchange system is called 'Chiasme'. And among these is the human body that can fundamentally perceive them. However, I use this term in a broader sense to create sculptures as the overall result of all subjects and objects that I can recognize, the body and the world, and various perceptions and phenomena. In other words, my 'Chiasme' is a formative platform in which all phenomena that humans can recognize are intersected.

I was able to perceive and understand contemporary figurative sculpture through the new perspective of phenomenological world view and relevant art views. The more you are enchanted with the beauty of the body, the more possibilities you are given. Phenomenological approaches save complicated processes to get access to the essence and origin of the body, when attempting philosophical contemplations towards it. In other words, the body is close to the phenomenological existence of ‘Chiasme’ which undertakes interactions with the world in relevance to situation and space, instead of existing as an object made of pure consciousness or material.

The phenomenology assigns philosophical status and privilege to a literal phenomenon in the present world as what’s given in itself. Rather than pursuing a fixed aesthetic such as the universe truth such as causes and rules, it can be seen that it is the same as the sincerity to choose and exist in one's life position thoroughly. In that regard, the sculpture of the human body as an existence resembles the silence created in the trend of the times. In other words, my human body sculpture is like a passage that can connect the body, perception, and the world. This is why I insist on sculpting a human body.

Ultimately, the 'Chiasme' series will consist of a total of 108 stories. The number 108 has the meaning of expressing the bondage of all the anguish in the world in Buddhism. I want to escape the constant entanglement that afflicts the existential self by expressing such anguish in the stories of my sculptures in a phenomenological approach. In other words, this is a story about the anguish and entanglement of all phenomena in the world, and it is also the image of all human beings to overcome them.

Finally, all my sculptures are both my story and the story of everyone in the world. It was created through my hands, but it is connected and intersected with all phenomena in the world. This is because I, too, have already been influenced by everything in the world. Therefore, when my sculptures are placed in front of the viewer away from my cradle, I hope that they will intersect with the gaze of the viewers' lives and become a new image and story that I could not think of. I have no doubt that it is the most serious and right way to make my sculpture exist forever.

About the Solaris series (2022)

The Solaris series was derived from the 'Chiasme' series to make the sublime of thought and the power it has more special. It is created to express our eternity and hope through existential reflection and thought in the virtual world called Solaris with our solar system as a motif. I hope that it can be seen as a work that can resolve the fundamental anxiety that dominates the human mind through the combination of objective existence and virtual existence.

I am always looking for the shape of my mind's identity and thought. In this world of Solaris that I create, the image created by my thoughts and imaginations is materialized and revealed in shape. It is caused by phenomenological thinking in the same way as the way of creating the 'Chiasme' series. In its background, religious perspectives such as Buddhism and Christianity, and various theoretical reasons such as philosophy, phenomenology, and quantum mechanics achieve 'Chiasme' and aim for representation for new sublime.

My work is mainly the act of changing the shape by heating heat. The meaning of heat is enormous for all living things in the present, which are created and lived by the energy of heat. After all, nothing can maintain existence in a world without heat and energy. That is why I used the sculpted shape of the solar system and its world as a motif. In other words, the reason for creating my work only through welding began with an inner desperation to think about the principles of the world.

However, the more you try to objectively find the source and principles of the world through science and physics to find the principles of the world, the more possibilities it is divided into, like quantum mechanics. Science and physics are thought to be optimized disciplines for humans to make rational judgments, but this world cannot be explained simply by the word 'physical'. This is because the human world is not the world of the whole universe. In order to solve things that we cannot define, it may be more necessary to carry out 'Chiasme' with the power of thought that has fundamental reflection.

An attitude to define, that is, an attitude to find absolute truth, is also one of human desires. However, blindly seeking answers is paradoxically seen as an act that limits the possibility of various reasons. The world may be something that can never be defined. Therefore, the question arises whether it is meaningful to obsess over too much objective knowledge. Scientists try to prove the world with formulas and theories, but artists express the world with shapes and intuition. In the end, I hope that art will be more respected as one of the ways to fundamentally understand the world.

Preparing for the 2nd space. (2016)

The position and the boundaries of art seem ineffably vague. Art already has its stage in all industries, including science and technology; it also takes lead in culture and claims innovation in each area and so on. This society does not call for one area controlling another but instead, in the world of perfect competition, every area influences each other by co-developing and coordinating. (* My work was inspired by these complex “intersections” in synapses)
The ‘sensation’ that led modern art is not an exclusive possession of pure art anymore.
We should perhaps strive to make the middle spot, rather than a symbol of innovation, as a something useful, looking for intersections, looking differently the things neglected, recreating the culture that had already been consumed and wasted; to record and develop the missed spots from this rapid flow.
In the 10 year preparation of this exhibition, the most inspirational was “looking for the missed spots” the gaps; Just like it is shown from the “Go match of the century”, the spots that made the unrecognized, the spots that have been tried but neglected, slightest differences.

I would proudly assume that even my 180day-old daughter knows that moving fast and focusing only on developing for mere development are not the key to everything. Of course, the thoughts and studies about the earth might disappear for the sake of human’s convenience; a single individual has nothing to do about it. However, we can at least have reasons to retrospect on it. Once, try diverging from the highway that you drive every day, and take a drive on a small country road at the speed of 30 to 40 km/h, you’d look differently, and think differently.
However, the reality isn’t just like that, the atmosphere, the flow, and the societal phenomena deter people and induce them to stop and hold on at that state. When you try to intentionally stand still, you will find yourself being swayed away by indefinable force. Therefore, someone should take time to rewind and look back. That is exactly the aspiration of the goal of my work.

My work is far from perfect completion. For instance, if I plate a piece with chromium, paying extravagant amount of money then it turns out unsatisfactory after some time, I simply burn and hydrate it to undo it again. The completed pieces left intact are only the ones that luckily escaped from the author’s hands through sales. I transform them constantly, 6 or 7 times if necessary, until I get somehow satisfaction. There comes up the closest state to completion. It took 4 more years, to exclude one line from the piece, to find ways to intensify material twice more, and to perforate holes into another pattern.
And since my first own exhibition, I could have another one after 4 years, small and big things happened in between. Thinking back, there wasn’t a single day that I was free from work. The thoughts were going back forth mostly between “Should I stop?” and «How will I be able to create things that are different”.
However, at this point, I think the purpose of this exhibition is the intensification of my work in physical form and depth, not some sensation or abstruse thinking of creating something from nothing.
Like most artists, the one who has the desire for achievement greater than the feeling of giving up, can win. The one who holds on can come out into the world.
The fact that it has been 10 full years since I presented my piece of work in 2006 is a powerful motivation to me. Maybe that’s why I was able to hold on.
This exhibition wasn’t for fame, or financial success, or not even for my own introspection. I just wanted to stand on my very own. I wanted to find directions to put a spot as an artist. We do not need to be agitated, for art is something to be handled throughout the whole life time. However, in the intimidating modernity, where we fail to predict 10 years later, and even 2 or 3 years of our future, it is a great deal, to just keep ourselves calm. As I mentioned earlier, even when we try to stop and be static, we all get swept and washed away by an external force. That is why I needed, and wanted to stand alone. This is merely from my greed perhaps, but as I admit it is difficult, I have tried “antithesis” for myself.

In 2004, as a sophomore in college, I started to decompose a motorcycle that I got from my junior colleague who went to the army. I was fantasizing of how amazing the transformation would look. But it turned out to be visually horrible. However, the thoughts that I had when dismantling that motorcycle, still influence me mightily.
Nothing is achieved instantly. I didn’t expand my horizons into being infatuated in motorbikes or becoming an expert in tuning. The thing that I gained was my experience to arbitrarily cripple the oil tank and weld things. And that very experience is the initial trigger for my current work. A year later, I dismantled that piece again, and changed rheological properties with welding, and crippling, only with the bones. In that year winder, I started sculpting metal humans with the expressions that I gained from the texture.
And after another year, I further intensified the “metal human” piece, adding to the fossilized humans, which made my visual foundations.
Looking back, I tended to skip a lot of steps. It was shoddily oriented to looking good, and being seen,

The work doesn’t change itself without the artist him/herself changing. How much effort should we put in to change ourselves? “Antithesis” reflects such thoughts. Rearranging memories and times that we missed and overlooked, times that were close but unable to recognize, things that we thought we did everything (at least tried) but neglected, thinking that they were trivial. This is to rewind for different choices, rather than starting fresh new ones, as a matter of fact, life is not about time, but is rather putting pieces together.

2번째 공간을 준비하며. (2016)

사실상 이제 예술의 위치, 그 경계는 모호해 보인다. 이미 과학, 기술, 등 산업의 전 분야에서 혁신을 부르짖고 또한 각각의 분야에서 문화를 선도해가는 교두보를 경쟁하며 서로 내놓는다. 한 분야가 다른 모든 분야를 이끄는 절대 통치적 시대가 아니라, 무한 경쟁체제에서 교차발전, 교차교배를 통하여 모든 것들이 영향을 주고 받는다. (* 내 작업의 패턴은 뇌 신경망 같이 얼기설기 얽혀져 있는 이 “교차” 에 영감을 받고 시작되었다.)
근대미술을 이끌던 '센세이션'은 더 이상 순수 예술의 것만이 아닌 것이다.
혁신의 아이콘으로서의 상징성 보다는 중간점(1과 2사이, 2D와 3D 사이 등)을 쓸모 있는 것으로 만드는 것, 접점 찾기, 혹은 간과하는 것을 새로 보거나, 재창조되어서 이미 소비되어 버려지는 문화를 다시 창조해내는 것 등의 역할을 수행하고 이끌게 되어야 하지 않을까. 즉, 고속의 흐름 속 놓치는 지점들을 기록화하고 발전시켜내는 것이다.
작가의 작업이 10년간 지속되며 이번 개인전을 준비할 때 가장 큰 영감을 준 것들이 바로 그와 같은 ‘놓친 지점 찾기’였다. 마치 얼마전 세기의 대결로 주목받았던 바둑에서도 나왔던 것처럼 존재하는 수많은 기보 중 몰랐던, 해봤었지만 우습게 간과했던, 아주 작은 차이를 만들어내는 그런 지점들 말이다.

빨리만 간다고 해서, 발전을 위한 발전에만 집중한다고 해서 능사가 아니라는 것은 이제 180여일 된 내 딸아이도 아는 이야기다. 물론 인간의 편안함을 향유하기 위한 범지구적인 생각과 개발과 연구는 없어질 수도 없고, 개개인이 멈추어 세울 수 없는 불가항력적인 것이 사실이다. 하지만 적어도 돌이켜서 , 되돌려서 곱씹어 볼 최소한의 이유 정도는 갖추어야 한다. 고속도로를 매일 운전하다가 어느날 한적한 시골의 작은 농로를 30~40키로 정도로 운전해보라. 내가 볼 수 있는 것, 생각할 수 있는 것이 달라진다.
하지만 현실은 그렇지 못하다. 전체의 기류가, 흐름이, 현상이 일개 개인이 멈춰 세우거나, 멈추어 설 수 있는 상황이 되기 어렵다. 억지로 멈추어 서 있어 보려 하면, 아마도 자기도 모르는 힘에 의해 등을 떠밀려 가는 자신을 발견할 것이다. 그렇기 때문에 더욱 더 누군가는 되돌리고, 돌이켜 봐야 하는 것이다. 그것이 내 작업의 목적이다.

내 작품에는 완벽한 완성이 없다. 한 예로 가진 돈 탈탈 털어 작품 전체를 도금 했다가도 시간을 두고 지켜본 후 마음에 들지 않으면 다 태워서, 증발시켜가며 다시 뜯어 고친다. 완성된 작품으로 볼 수 있는 것은 운 좋게도 판매가 되어 작가의 손을 가까스로 벗어난 작품들뿐이다. 그렇지 않은 작품은 6번이고, 7번이고 마음에 들 때까지, 바뀐 눈에 다시 찰 때까지 계속해서 고쳐나가고 완성으로 귀결하지 않는다. 그렇게 작품의 선을 하나 더 빼기까지, 작품의 마띠에르를 두 번 더 심화하는 과정을 찾아내기까지, 구멍을 다른 패턴으로 더 뚫기까지 4년이 걸렸다.

그리고 첫 개인전을 했던지 4년여가 훌쩍 지나 다시 개인전을 열 수 있었다. 많으면 많고, 적으면 적다할 일들이 있었다. 돌이켜 생각해 보면 하루도 작업에 대해 생각하지 않은 날은 없었던 것 같다. “그만할까?” 에서부터, 어떻게 하면 더 다른 작업을 할까 등의 고민이 대다수였다. 하지만 지금 시점에서 짚어본 이번 전시의 목표는 센세이션이나 무에서 유를 창조하는 심란한 사고가 아닌 작품의 물리적, 깊이적 심화다. 많은 작가들이 그렇겠지만, 포기와 성취를 향한 욕구 중에서 우월한 쪽이 승자가 되고 그로인해 버티는 작가가 되어 세상에 나올 수 있다. 내가 지금의 작업이라 할 수 있는 작품을 처음으로 등장시켰던 2006년 에서부터 올해가 꼬박 10년이 되었다는 점은 스스로에게 무엇보다 크나큰 동기부여가 되어주었다. 그로 인해 여기까지 버텨왔는지도 모르겠다. 어찌 보면 이번 전시는 소위 말하는 대박을 위한 것도, 어떤 금전적 부흥을 위한 전시도, 내 자신의 내면성찰을 위한 전시도 아니었던 것 같다. 다만 그저 홀로서기를 하고 싶었을 뿐이다. 작업으로서 작가로서 그 점 하나를 제대로 찍을 수 있는 방향을 찾고 싶었다. 물론 그것이 평생을 두고 길게 작업해나가는 마당에 조급하거나 해서는 안 되겠지만, 요새의 시대에서, 단 10년 후, 아니 2, 3년 후의 미래도 정확히 예측하지 못하는 두려운 패러다임 앞에서 허허 하며 평상심만을 유지하는 것은 정말 대단한 일이 아닐 수 없겠다. 위에 예를 들었던 것처럼 내가 멈추고 싶어서 움직이려 하지 않아도 무언가에 의해 떠밀리고 쓸려가니까 말이다. 그렇기 때문에 더더욱 홀로서기가 필요했고, 바라는 것이다. 한낱 내 욕심이겠지만 그것이 쉽지 않은 이 상황을 인정하기에 스스로를 위해 반(反) 하는 것이 아닐까.

2004년 대학 2학년 시절 군대 간 후배가 나에게 기증하고 간 오토바이 한 대를 뜯기 시작했다. 딴에는 새로운 형상과 놀라운 변화를 꿈꾸며 말이다. 하지만 시각적 완성도는 형편없었다. 그러나 그 작업을 하면서 느꼈던 생각들이 더 지금의 나에게 영향을 미쳤다.
결국 한 순간에 이루어지는 것은 아무것도 없다. 오토바이를 뜯으며 나는 오토바이 자체에 심취하거나 튜닝의 전문가가 되거나 하는 쪽으로 지평을 넓히지는 않았다. 다만 그것에서 얻은 것은 기름 탱크를 구기며 용접하고 멋대로 완성한 것이었다. 그것이 지금의 작업을 연결시켜준 첫 번째 발단이 되었다. 1년 뒤에는 그 작품을 다시 해체하여 뼈대만 가지고 용접과 구기는 물성변환 작업을 했었고 그해 겨울에는 그것에서 얻은 표면질감에 대한 표현으로 금속인체 조각을 시작했다. 그리고 또 1년 후 별도로 진행하던 화석화된 인간 작업을 하던 것에 더해 다시 금속인체작업을 심화시켰고, 그것이 지금 내 작업의 시각적 토대를 만들었다. 돌이켜보면 그 과정에서 많은 것을 건너뛴 듯 했다. 보여지기에, 보기 좋기에, 급급한 형상으로의 추구만을 원했던 조악한 내용이었던 것 같다.

자기 자신이 변하지 않으면 작품도 변하지 않는다. 내 자신을 바꾸기 위해 얼마나 많은 노력이 필요할까? 반(反)은 그런 작품이다. 자신을 포맷하듯 바꾼 다기 보다는 다르게 살게 하기 위해 되돌리고, 거슬러서 못 찾았던 지점, 간과했던 지점, 가까이 있었지만 미처 깨닫지 못했던, 다 해봤다고(시도해 봤다고) 생각했었지만 별것 아니라 생각하고 하지 않았었던, 기억과 시간의 조각을 재배열하여 다시 맞춰나가는 것이다. 결국 인생은 시간이 아니라, 조각 맞추기와 같다는 생각에 도달했다.

Antithesis (2016)

1. Is it really the right way for us, and our planet earth, to develop ourselves (the whole biological, physical society) into superorganics?—current society, connected through networks referred to as internet and SNS, also resembles a super organic form.
2. Manual labor is keep degenerating. Then from what are humans supposed to sense their identities, and get splints of joy in this long misty life? Labor from necessity (perhaps art), will then turn to rise as key for subsistence.
3. ‘Creation’ no longer exists, after the Bing Bang theory that explained our origins, only the countless remakes remain. ‘Creation’, in fact, is a product of recombination and editing. Creating something from the scratch is just nothing more or less than a myth. If then, what is creation and originality? As a matter of fact, competing in a limited (anything that’s predictable) setting, creation is something manageable for non-human species’ algorithms too (including AIs).

The contents above contain Kant’s theory of ‘thesis, antithesis, and synthesis’. It is a sort of algorithm, systemized from tens of thousands of years of mankind evolution. Among them, antithesis is of the key features to trigger originality among humans. In other words, without antithesis (asking ‘why’), to think in retrospect, could there be art, innovation and our modernity? If our ancestors had abode by the initial state, at which they changed and developed, we might still would be hunting and gathering like the Neanderthals. However, if species other than humans are able to handle and utilize ‘antithesis’, the results would probably be different. It would certainly be a bad news for us, mankind. Why, if one asks, is because of the power of antithesis. Therefore, I, as a part of human species, who proudly maintain human-centered thinking, should fight for ‘antithesis’, a most needed value to preserve our entities.

"The contemporary art (fine arts, to be more specific to the author’s area) needs to be friendlier to the audience and that not just means methodological and instrumental efforts to mingle with the crowds. It is mainly an effort of refraining oneself from being exceedingly individualistic in making aims, artistic language, and ways of expressions."

What the author tries to create and preserve, is not just about showing uniqueness of materials used, or trendy experiment spirit. It is about recording the symbolic pieces of the moment itself—time and generation--, which are frozen and images of fossilized memories. As the society changed rapidly, so did art. And it will continue changing even more rapidly. But due to such extended leaps we took, there seems to be a big blank in the middle. The cracks that we leaped are showing up. We sort of passed by the countless beauty that could have been expressed from frozen time and shapes of the state, thinking that they are just natural flows. Humbly, I think of now, as the generation for some arrangement. I decided not to merely go with the flow. I will regress to the start, and begin from there: ‘antithesis’, the origin

• be : something is ~, there is ~, in other words, to exist
The curiosity and doubts on, not only the concepts that we perceive (humans, Gods, identity), but also on something above that, have continuously been a conundrum of mankind, ever since the history bore itself. Even when species other than one ones named ‘human’ come to prosper and change the earth, this question of ‘entity’—the efforts to study its underlying emblem—shall not be completely cleared. Despite so,
living creatures that quest for answers, and think and act in such way, run into self-centered conclusions and try to define entity in such terms. They occupy most ecosystems with the justification that they exist. However, to leap into conclusions, isn’t existing similar to occupying?

• Super organic
Humans already started transforming into modern day’s industrial and social beings at its ‘animal stage’, long before history of diverging from primates. And we pinpoint cold and mechanic appearance, combination with mechanics and science that allow creating human body parts, when we think about future humanity. However, that might not be the only faces of our future.
I, therefore, want to apply my hypothesis into my work that claims, ‘superorganics can be created, synthesized from the organics and non-organics’. My work mainly talks about oxidization and fossilization of even the newly structured/processed human bodies. Of course, it currently seems implausible that human body can have metal tissues, then in which organic substances grow. However, human bodies have been transformed by cells with eternal mysteries, adapting itself in times of need, and in fact, can be referred to as a microcosm itself. Relating to such hypotheses on transformation, Hegel referred in Theory of Organism as:

* [『Enzyklopädie (third edition) philosophy of nature』 phrase 336] .As independent ‘entity’, organics continuously formalize (Gestaltung) themselves, and at the same time, produced as individual ‘living’ with organic structure from that eternal process of deserting and preserving oneself. In other words, animal organics respond to external forces’ stimulation, and internally accept the nonorganic nature as they move, recreating themselves by assimilating with it.

In other words, the organic body will keep try to combine itself with metal and mechanic substance when occupation as another entity is needed. This means, bodies can evolve into superorganics, developed by organic tissues such as gelatine; not as lifeless, cold, and robotic beings that we call mechanic humans. And we expect such bodies to adapt and harmonize in thermal, environmental changes—a substance unique only to animal organics—solely with epidermis itself, which enables continual evolution as well.

The reason why we use metal as our material is to visualize the ‘coexistence’ of organic human bodies and the contradictorily harmonized materials. And secondly, I tend to deliver the idea of ‘antithesis’ that ‘its appearance remains similar to that of humans, but is made from different substance, which threatens the sustainable occupation of mankind.’

반(反/antithesis) (2016)

1. 과연 생물학적, 물리적 사회전체를 모든 종이 결합된 초유기체로 발전시키는 것이 (인터넷과 SNS 라 불리우는 사회연결망을 통한 현재의 세상도 하나의 초유기체와 같다.) 우리의 미래를, 지구의 미래를 위한 길일까?
2. 갈수록 인간의 노동력은 사라져 가는 사회다. 그렇다면 인간은 무엇으로 자의식을 느끼고 긴 삶의 안개속에서 즐거움의 빛을 찾아낼 수 있을까? 필요함으로서의 노동이(아마도 예술이 되리라 본다) 역으로 성장할 것이다.
3. ‘기원’의 설명을 위한 ‘빅뱅’ 이론 후부터 ‘창조’란 존재할 수 없는 정의다. 오직 그를 위한 수 많은 리메이크 만이 존재했을 뿐이다. ‘창조’ 라는 것은 결국 재조합, 편집의 산물이다. 무에서 유를 만든다는 것은 하나의 관념에 불과하다. 그렇다면 창조, 창의 라는 것은 무엇일까? 결국 유한한(‘예측할 수 있는 모든 것’) 수 안에서 경쟁하는 것에 있어서는 인간이 아닌 다른 종(AI 포함)의 알고리즘으로도 그 창의는 얼마든지 가능하다고 본다.

위에 열거한 내용에는 칸트의 정, 반, 합 이론이 녹아 있다. 수만년의 인간진화역사에서 체계화된 일종의 알고리즘이다. 그 중에서도 ‘반(反)’ 은 인간의 독창성을 야기하는 가장 중요한 것이라 본다. 즉, 반(反)(쉽게 말해 “왜?”) 의 되돌림 사고과정이 없었다면, 예술도, 혁신도, 그리고 지금의 현대 또한 존재했을까?
만일 우리의 선대의 인간들이 세상의 많은 진보를 이룬 시초들을, 바꿀 수 없는 자연의 법칙이라고만 생각하고 순응하며 살았다면 지금 이 글을 읽고 있는 모두는 네안데르탈인과도 같은 수렵채집인의 생활을 아직까지 하고 있었을지도 모르겠다.
하지만 인간이 아닌 종이 이 반(反) 을 사용하고 소화해 낼 수 있다면 그 결과는 달라질 것이다. 인간 종에게 절대 이롭지 못할 지도 모르겠다. 왜냐면 그것이 반(反)의 힘이니까.
따라서 지극히 인간중심의 가치관을 가지고 있음을 부정할 수 없고, 결국 인간의 일원인 내가 존재를 지키기 위해 오로지 유지해야 하는 것은 인간에게 가장 필요한 ‘반’ 을 지키고 심화 시키는 것이라 함의할 수 있었다.

"동시대의 예술(조금 더 작가의 구체적 범주인 미술)은 지금보다 더 친절할 필요가 있다.
그것은 단지 대중 속으로 스며들고자 하는 방법적, 수단적 작가의 노력을 말하는 것이 아니다.
그것은 작가의 목표와 예술언어의 표현방식이 지나친 개인주의로 치닿는 것을 지양하는 것이다."

작가가 제작하여 영원히 보존하고자 하는 것은 단지 재료의 특수성과 유행적 실험정신을 보여주는 형태가 아니다. 시간과 시대, 즉 순간을 기록하는 상징적 조각인 ‘정지시켜버린 시간과 화석화된 기억의 형상’ 그 자체에 있다. 시대가 급변한 만큼 미술 또한 급변했고 계속해서 비약적으로 더욱 급변할 것이다. 하지만 그 과정에서 너무 많은 도약을 하다 보니 중간이 훤히 비어 보인다. 건너뛴 틈이 보이는 것이다. 정지시켜버린 시간과 사건의 형상 속에서 표현될 수 있었던 무수한 아름다움을 흐름이라는 핑계로 지나쳐만 간다. 정리가 필요한 세기라고 묵묵히 생각해본다. 작가는 세기의 흐름과 함께 가지 않기로 결심했다. 원점, 근원으로 ‘반(反)’ 하여 다시 시작하려 한다.

• be : ‘~ 이다’, ‘~ 이 있다’, ‘즉 존재한다’는 것
우리가 인식하고 있던 존재에 대한 개념(인간, 신, 자아 등)외에도 그 이상의 새로운 존재에 대한 의구심과 관심은 역사 라는 단어가 생긴 이래 끝없이 지속되어온 숙제였다고 생각된다. 행여나 현재의 ‘인류’ 라고 명명 되어지는 생명체 이외의 다른 종이 번성하여 지구역사가 변하더라도 이 ‘존재’ 라는 명사, 즉 그 근원적 표상 연구에 대한 고심은 완벽히 해소되지 못할 것이라 유추해본다. 그럼에도 불구하고 궁극적으로 그것에 대한 답을 추구하며 사고하고 행동할 수 있는 생명체는 존재라는 것을 자기중심에서 한정 지어 정의 내리고, 그 존재 할 수 있다는 명분하에 대개의 생태시스템을 점유하곤 하는 듯하다. 그러니 비약하자면 결국 존재한다는 것은 점유한다는 것과 일맥에서 통하는 것이 아닐까.

• 초유기체(superorganic)
인류는 영장류 등으로 분류되는 역사서상의 모습이전 이미 시작된 동물적 존재에서부터 현재의 산업적, 사회적 인간으로 변이해 왔다. 그리고 미래 인류에 대해 상상할 수 있는 모습은 차갑고 기계적이며, 인공신체의 창조가 가능한 공학, 과학과의 결합을 꼽고 있다. 하지만 그것만이 인류가 상상 할 수 있는 미래 존재가 가질 모습의 정점은 아니지 않을까.
즉, 비유기체 속에서 유기체가 결합하여 새로운 초유기체가 될 수 있다.”라는 가설을 작품에 적용하고자 한다. 그렇게 새로 조직된 가공의 강한 인체마저 산화되고, 화석화되는 설정이 주작업적 내용이다. 물론 현재의 인체가 금속의 조직을 가지게 되고 그 안에서 다시 동물적 원질이 자란다는 것은 아직은 불가능한 가설처럼 보인다. 하지만 인간의 신체는 무궁한 세포조직에 의해 변화 해왔고 자기필요에 의해 진화 가능했으며 결국 그 자체가 ‘소우주’라고도 할 수 있다. 이 변화에 대한 가설과 관련하여 헤겔의 유기체론에서는 다음과 같이 기록한 것을 찾을 수 있었다.

* 즉 유기체는 "자기 자신을 내몰아 유지하는 무한한 과정" [『엔치클로페디(제3판) 자연철학』 336절]속에서 자립적인 '주체'로 끊임없이 자기를 '형태화(Gestaltung)'함과 동시에 그 형태화 과정으로부터 유기조직을 지닌 개별적인 '생명체'로서 산출되는 것이다. 즉 동물적 유기체는 외부로부터의 '자극'에 반응하여 이동하면서 비유기적 자연을 자기 속으로 받아들이며, 그것을 동화함으로써 자기를 재생산한다

즉 이 유기적 신체는 또 다른 존재로서의 점유를 위한 필요가 생기면 시간을 거듭하며 금속, 기계적 원질과의 결합을 시도할 수 도 있을 것이다. 그것은 기계인간, 흔한 말로 로봇 이라고 부르는 모습의 생명력 없고 싸늘한 형상의 전체가 아니라 젤라틴과도 같은 유기적 조직에 의해 발전, 변화한 초유기체적 신체로의 진화가 가능할 것이라는 말이다. 그리고 그것에 동물적 유기체 특유의 원질인 온도, 환경 등의 변화를 표피자체로서 그대로 적응, 조화 해낼 수 있는 존재로서의 연속진화 또한 가능해질 것이라 상상해본다.

작품의 실 재료로서 금속을 이용하는 것은 유기체적 인간의 신체와 상극의 구분으로서 나뉘어져 있는 그 원재 와의 결합을 통해 역설적으로 조화된 ‘공생화’ 단계의 이미지를 형상하기 위함이다. 또한 '그것이 인류의 모습과 닮은 형태를 유지하지만 원질은 다른 존재로서 생성되어 현 인류의 지속적 생태계 점유에 위협을 줄 수 있다' 라는 ‘반(反)’의 전달에도 두 번째 이유가 있다.
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To Exist or To Disappear (2012)

Do we exist? Or are we living? The reason I'm handling such a vast theme which cannot be resolved no matter how much one tries, is because eventually I want to acknowledge that at the end of those two subjects is the fact that, "we disappear."

Even in moments when we believe we are "living,"we may in fact be "existing.","To exist" refers to a passive life. A life that operates according to external will. By expanding the territory outside of "me" little by little, what follows is community - society and its culture. Ultimately we arrive at the center, which is none other than the Earth, along with the vast system called space. Could a single existence actually live all by itself apart from everything else? This may be scientifically, rationally, theoretically and literally something impossible. Yet why do we want to "live" and why can't we acknowledge that we are "existing"? Ultimately, it dawns on me that this is because it's the ideal, goal and dream of the existence, mankind, and the artist. The ideas in our consciousness are no other than image. However, this doesn't mean that this is a negative viewpoint, hence let's not be pessimistic. As long as such a thing as 'thought' exists, in order to realize this, I believe that living a satisfied life would be along the lines of truly "living." Therefore, it also signifies that we must acknowledge both realities of "existing" and "living."

In thinking about the human body which is the main form in the artwork, the goal is to reflect the life of the artist as specifically as possible. Although the motif of the form certainly uses ancient sculptures and paintings for its model, they are not much different from modern man. It is not that human beings themselves have changed but that the surrounding environment and cultural elements
have significantly changed. Whether ancient man or modern man, I don't think their basic desires or inner worlds are much different. The forms that the artist expressed were dried, cut, and is also disappearing in order to manifest the inner conflict and frivolity of existence. In addition, the shape of the frame presents the limit in boundaries, but it also is an attempt to show infinite expansion. The severed figure also becomes a source to imagine a different appearance of when it was unsevered. Thus, I believed that the branches the works make in the space, the blank space, could expand infinitely. Instead of simply interpreting sculpture as cubic, I attempted to give a change and let the three dimension quality begin, not on a flat surface of a thin, light, porous structure on a blocked wall, but in a space that can be imagined.

In addition, I used metal in order to express current society which is built on top of a foundation of mechanical, material fierceness. For materials, I use stainless steel welding rods (TGC 308) instead of the common stainless steel (304 series). This has a higher deposition rate from other series of the same type, thus fusing the materials as if carving out of metal to make the creation process easier in compounding lines, dots, and surfaces in that order. In other words, it has the temperament to adequately provide the conditions I want to create three dimensional things. The original material, stainless steel, is one of the most ideal basic metals that modern man has created. Steel was used to satisfy the new conditions for mankind which had set-off the growth of science and the industrial revolution. We have raised its resistance to corrosion and rust, its solidity as well as elasticity were also sufficiently developed while being cheaper than precious metals. It is used in a vast range of industry, aviation, medical equipment, flatware, and interior items. Metals have higher heat resistance than other materials when it has been heated. However, once it begins to cool, it cools quite fast and becomes cold as if it had never been hot. I believe this isn't much different from the emotional cycles of contemporary man. That is why I used this metal as my material. I felt affinity toward it's cold appearance which seems to represent my current appearance as well as the appearance of this era. However, this metal, which can be considered exemplary of the times, will also disappear according to progress. Someday it may be like an old artifact which use has become antiquated.

The work method started with welding and ended with welding. The simple meaning of welding is to combine the copy of a metallic property by melting it with another. What I focused on was not in using it exactly as it says in the manual. I wanted to resolve everything as ways of having fun. That is why no such processes such as casting or founding, which are standardized methods in metal body sculpture, are used. Also, there is no division of labor, which is a symbol of social community. I work only by myself, only dependent on my welding torch. I considered the torch as my other hand and tried to surpass the limitations of the manual. I ignored the output level and the proper method of use, only wanting to play with it. Thus, this other hand became various tools that could melt, pare, adhere, and scrape off and color-coat. This was because it was the only way that I could think of to "live" and not "exist." Ultimately, within the culture and system, we try to find a sense of self-regard while living in the glittering world that someone other than myself has provided, but this was the only way to leave a trace of my life. Although my existing being may disappear, it's the only way of "living" instead of "existing" as myself. I came to express this current work in order to find my own entity.

To live with an emptied mind in a world of material and systems is indeed difficult to do. The eventual goal of many religious saints, as well as religious groups since ancient times is nirvana, emptying of desire, and cleansing the inner soul. In other words, a goal was set in order to live a sincere life. This too is something that is difficult to accomplish even by devoting a lifetime, which is why I think so many saints throughout such a long time in history have agonized and struggled with themselves. As someone who is not a member of any religion, this comes as a natural goal. Although there are various methods of action and practice, in the end I believe I too am working on my art for that goal and I want to believe that at least during that time I am "living" autonomously. In the long run, my work is the outcome of such practice and also the very image of my existence. The artwork which is hung on the frame is eventually a reflection of the environment and systems that I am living in and cannot get away from, and the event and motif of the works which are tearing out of the frame are my own conceptual stories. No matter how hard I try to break free from the frame, in the end I must acknowledge that I can't free myself from it and while sensing the law of survival that I will "live" like this and eventually "disappear," I am simply attempting to never disappear by leaving traces of my existence. Therefore, there are no "editions" in the "To Exist or to Disappear" series. Just as "live" is an intransitive verb, the works themselves have their own property with the hope of eliminating any confinement whatsoever.

As a human being, the "I" which can only be an individual among a group or mass of people seems in a way to be of insignificant value. If "existing" is the attitude where one feels the homesick for one's own scent and color within an ultimately passive life, attempting to "live" may be a natural reaction to this. The attempt to newly lay a new foundation within the culture and system that I am in, i.e. trying to prove that one is alive is a truly difficult task. Moreover, my efforts in attempting such a thing is still lacking. Even before taking the tough journey ahead of me, I will accept that I am a being which will live and eventually disappear. However, I will also continue to search for other ways of living and I would like to say once more through this exhibit that my resolution for this will not change.

<살아지다 사라지다> (2012)

"살아지는 것일까? 살아가는 것일까?" 부단히 고민해도 풀 수 없을 이 커다란 주제를 다루는 이유에는 결국 위의 두 가지 논제의 끝에 ‘사라지다’ 라는 것이 있음을 인정하고 싶기 때문이다. 우리는 살아간다고 믿는 순간에도 살아지고 있는 것일지 모른다.

'살아진다'는 것은 바로 수동적인 삶, 타의에 의해 움직여지는 삶을 의미한다. ‘나’ 라는 존재를 벗어나 범위의 영역을 조금씩 넓혀보면 바로 다음은 공동체, 즉 사회가 있고 그것의 문화가 있으며, 지구라는 중심과 우주라는 광활한 체계가 존재한다는 결론에 도달한다. 과연 한 존재가 이 모든 것을 벗어나서 오직 스스로만 살아갈 수 있을까? 과학적,이성적, 이론적으로 그리고 글자 그대로 불가한 일일지 모른다. 그럼에도 우리는 왜 살아가고 싶어 하고 살아진다는 것을 쉽게 인정하지 못할까? 결국 그것은 존재, 인간, 작가의 이상이자 목표이며 꿈이기 때문이라는 생각이 든다. 우리의 의식속에 자리잡은 관념, 표상의 하나일 뿐이겠다. 그렇다고 비관적 입장에서 "살아간다는 것은 없으니 염세적으로 살자"는 것이 아니다. 우리의 관념이라는 것이 존재하는 이상, 그것을 실현 하기위해, 만족하면서 사는 것이 진정한 ‘살아가다’ 의 관념이라는 생각이 든다. 그렇기에 ‘살아지다 사라지다’ 라는 현실 또한 인정해야 하는 것이 아닐까.

작품의 주 형상인 인체를 다루는 사유에는 작가 자신의 삶을 구체적으로 반영하려는 목표가 들어있다. 형상의 모티브는 분명 고대 조각, 회화에서 따온 모델들이지만 그것은 현대인의 모습과 다르지 않다. 인간 자체가 변한 것이 아니라 주위의 환경, 문화적 요소가 크게 변화한 것이기 때문이다. 고대의 인간이나 현대의 인간이나 기본적 욕구와 내면의 모습은 크게 다르지 않으리라 생각한다. 표현한 형상들은 내적 고통과 존재의 가벼움을 표현하기 위해 마르고 잘려졌으며 사라져가기도 한다. 또한 틀의 형상으로서 경계의 한계를 제시하지만 무한한 확장성 또한 동시에 담으려 하였다. 잘려진 모습들은 잘리지 않았을 때의 또 다른 모습을 상상할 수 있는 발단이 되기도 한다. 그리하여 공간속, 여백속의 작품들이 만들어 내는 그것의 가지는 끝없이 확장될 수 있으리라 믿었다. 조각을 입체로서만 해석하지 않고 평면 속에서 입체성이 시작 되어질 수 있도록 두께가 얇고 가벼운 다공질의 구조로 막혀 있는 벽의 형태가 아닌 상상할 수 있는 공간으로서의 변화를 시도 하려했다.

작업의 재료는 기계적, 물질적 치열함의 반석위에 이루어진 현사회의 한계를 표현 하고자 금속을 사용했다. 재료는 보편적 스테인레스강(304계열)이 아닌 스테인레스 스틸 용접봉(TGC 308)을 쓴다. 이것은 용착률이 같은 종의 다른 계열보다 높아 선적인 재료를 용융시켜 선, 점, 면의 순서로 '금속 소조' 를 하듯 조합해나가는 제작과정을 수월하게 한다. 즉 작가가 입체를 만들기 위한 조건을 적절히 갖추어 낼 수 있는 성질이 있다. 원재료인 스테인레스 스틸은 현시대의 인간이 만들어 놓은 재료 중 이상적인 기초 금속이 되었다. 철을 사용하여 산업혁명과 과학을 폭발시킨 인간의 새로운 조건들을 충족시켰다. 부식 및 녹 저항성의 향상, 강도와 탄성 또한 알맞게 발전시켰으며 가격도 귀금속에 비해 저렴한 편이다. 산업, 항공, 의료기, 식기류, 인테리어 등의 많은 분야에 폭넓게 활용된다.

금속은 열을 머금었을 때 다른 물질보다 내열성이 우수하다. 하지만 식게 되면 그 시간이 길지 않고 언제 그랬냐는 듯 차가워진다. 지금 현대인의 감정 주기와 다르지 않다고 본다. 그래서 나는 이 금속을 재료로 사용했다. 지금 나와 시대의 모습을 대변해 주는 듯한 차가운 모습이 와닿는다. 하지만 이 시대의 모델이라고까지 볼 수 있는 이 금속 또한 신재료의 진보에 따라 사라질 것이다. 언젠가는 그 쓰임새가 오래된 유물의 하나처럼 될지도 모르겠다.

작업방식은 금속을 다루는 '용접' 으로 시작해서 '용접' 으로 끝난다. 용접의 단순한 의미는 금속적 성질의 모제와 모제를 용융시켜 결합시키는 방법이다. 작가가 주목한 것은 이것을 메뉴얼에 의해 곧이 곧대로 사용하는 것이 아니었다. 오직 작업의 '유희' 를 위한 방법으로서 모든 것을 해결하고 싶었다. 그렇기에 금속인체조각의 정형화된 방법인 캐스팅(형틀 제작) 및 주조 등의 공정은 일체 없다. 사회라는 공동체의 상징인 분업화 또한 없다. 오직 홀로, 용접기의 '토치(불대)' 하나만 믿으며 작업한다. 토치가 또 하나의 손이라 생각하고 메뉴얼의 한계를 넘어서려 노력했다. 기계의 출력치와 정격사용법을 외면하고 오직 가지고 놀고 싶었다. 그리하여 이 또 하나의 손은 녹이고, 깍고, 붙이고, 긁어내고 색을 입힐 수 있는 다양한 도구가 되었다. 이것이 내가 유일하게 할 수 있는 살아지지 않고 살아가는 방법이라 생각했기 때문이다.

결국 문화와 체계 속에서, 내가 아닌 다른 누군가가 해 놓은 찬란한 것들 속에 살며 자존감을 찾을 방법을 궁리하지만, 나로서 살아지지 않고 살아갈 수 있는 유일한 방법, 존재는 사라지겠지만 자취와 흔적을 남길 수 있는 유일한 살아가기 위한 방법. 스스로의 그것을 위해 지금의 작품이 표현 되어졌다.

물질과 체계의 세상 속에서 마음을 비우고 살아간다는 것은 정말 어려운 일이 아닐 수 없다. 여러 종교계의 성자들, 고대부터 이어져온 종교라는 단체의 목표는 결국 해탈이며, 욕망을 비워내고, 내면을 정화 시키는 것, 즉 참되게 살아가기 위한 것을 목표로 하였다. 이것 또한 평생을 바쳐도 이루기 어려운 일이기에 그렇게도 오랜 역사속에서 수 많은 성자들이 그로 인해 고민하고 스스로와 싸워 나갔을 것이라고 생각해본다. 종교에 몸 닿지 않은 나로서도 그것은 당연한 목표이다. 행위와 실천의 방법은 다르지만 결국 나 또한 그것을 위해 작업을 하는 것이라 생각하며 그 순간만큼은 스스로 살아간다고 믿고 싶은 시간이다. 결국 이번 작품은 그러한 실현의 결과물이자 '나' 라는 한 존재의 모습 그 자체이다.

틀에 걸쳐져 있는 작품은 결국 내가 살아지고 있는, 벗어날 수 없는 환경과 체계의 모습을 반영하며, 틀에서 트더져 나와 있는 작품들의 사건과 주제들은 작가 본인의 관념적 이야기 들이다. 틀에서 벗어나기 위해 사력을 다해 발버둥 치더라도, 결국 그 곳에서 벗어날 수 없다는 것을 인정해야 하는, 그리고 결국 그렇게 살아지다가 사라지게 될 것이라는 순리적 생존의 법칙을 느끼며 하루하루 나라는 존재의 자취를 만들고 영원히 사라지지 않기 위해 노력하는 것일 뿐이다. 그러한 이유로 ‘살아지다 사라지다’ 시리즈의 작품들에서 에디션은 없다. ‘live’ 가 완전 자동사 인 것처럼 작품 스스로 고유성을 가지고 일체의 구속이 없기를 바라는 희망에서다.

하나의 인간으로서, 군중 또는 대중속의 일인 일수 밖에 없는 ‘나’ 라는 존재의 가치는 보잘 것 없어 보이기도 한다. 살아진다는 것이 결국 타의적 삶속에서 스스로의 색깔과 체취에 대한 향수를 느끼는 태도라면, 살아가고자 하는 것은 당연한 반작용 일지도 모르겠다. 내가 속한 문화와 체계속에서 무언가를 새로이 다져보려는 시도, 즉 살아있음을 증명하려는 것은 정말 어려운 일이다. 더욱이 그런 것들을 시도해 보이기에 작가의 노력도 아직 부족하다. 앞으로의 험난한 여정에 앞서서도 결국 살아지다 사라지는 존재라는 것을 인정할 것이다. 하지만 살아가기 위한 방법 또한 계속해서 찾아갈 것이며, 그것을 위한 스스로의 다짐에는 변함이 없을 것임을 이번 전시에 붙여 되뇌이고 싶다.

2012. 3. 11.